Dans ce duo aussi énergique que facétieux, ils creusent le muscle abdominal, l’épuisent, le retournent, le montrent et le déforment.

Les tablettes de chocolat, petites briques ornées d’un nombril, rempart du ventre, point d’équilibre physique du corps humain. Fer de lance et vitrine narcissique d’une société bodybuildante. Et s’il y avait plus à voir dans nos ventres que le culte du corps ? Berceau de la vie, du second cerveau, de la nourriture, de la peur, de l’énergie… Durant leurs trainings journaliers, Clémentine Maubon et Bastien Lefèvre ont inventé de nouveaux exercices d’abdominaux pour s’entrainer et s’amuser. Peu à peu, ils ont élargi le sujet et se sont infiltrés sous la couche superficielle, pour tirer les boyaux de cette idée saugrenue et en faire un spectacle. Dans une danse graphique et fougueuse qui nous scotche dans notre fauteuil, les voilà qui nous parlent de nous, l’air de rien, avec intelligence et élégance.

Abdomen

CHANAT

Un nez rouge, un chapeau sans forme enfoncé sur la tête, Emma, alias Meriem Menant, est une clownesse vagabonde et poétesse qui nous parle de choses très sérieuses sans avoir l’air d’y toucher.

Depuis 30 ans, elle explore les recoins cachés de nos vies et commence à en connaître un rayon sur l'espèce humaine et ses travers. Du divan de psy à la mort, en passant par Dieu et la science, l’écologie, l’amour… sans oublier la voyance, elle se décide à relever un nouveau défi en se penchant sur : le vide. Qui demeure dans ce lieu vide ? Comment Emma la clown va-t-elle s’en sortir ? Réussira-t-elle déjà à y entrer ? Que va-t-elle y découvrir ? Elle nous offre avec profondeur et délicatesse le fruit de sa quête.

Qui demeure dans ce lieu vide ?

"A la lueur du doute" interroge notre perception du réel et sème le doute sur l'envers du visible, notre relation à la nature et la puissance du féminin.

Entre incantations et rituel de transe féminines, trois femmes-sorcières se frayent un passage pour dialoguer avec l’invisible, l’esprit des éléments et mélanger leurs corps à la magie. Cette pièce est une célébration de la vie et de la beauté. C’est beau, c’est sensible, c’est envoutant. C’est sauvage !

A la lueur du doute

La Cie Le doux supplice revisite le bal en mêlant le cirque à la danse.

"Je nous rêve capable d’arriver sur une place publique et d’embarquer, en quelques instants, des gens dans nos délires mouvementés. Danser avec des inconnus, vivre une aventure, suspendre le temps, jouer de notre virtuosité comme de nos maladresses, sensiblement, sincèrement."
Pierre-Jean Bréaud

Est-ce du cirque ? Est-ce de la danse ? Peu importe, l’enjeu ici n’est pas tant le spectaculaire ou le virtuose mais la relation à l’autre en créant un espace de rencontre entre les disciplines, et entre les spectateurs et les artistes. Le bal et la danse ne sont que prétexte à faire corps avec les gens, et l’acrobatie un moyen de sublimer quelques instants. Au centre, les acrobates et les danseurs commencent tout doucement à jouer, à tourner, à défier l’équilibre. Puis peu à peu, sans aucun mot, par un simple regard, le public est invité à rejoindre la « piste ». Les barrières tombent et le spectacle devient alors une expérience collective, une aventure vertigineuse et dansante.

En attendant le grand soir

Ilka Schönbein, la papesse du théâtre de marionnettes, revisite le célèbre conte des Frères Grimm, " Les Musiciens de Brême ".

Un âne, un chien, une chatte et une poule avaient travaillé toute leur vie. Une fois âgés et devenus inutiles, leurs maîtres songeaient à se débarrasser de ces bouches à nourrir. Pour échapper à cette fin tragique, les animaux se firent musiciens sur les routes. 

Dans son petit cabaret, les animaux nous racontent leur stupéfiante existence avec une vibrante vitalité et nous présentent leur chant du cygne, dans un dernier tour de piste, avant que la faucheuse ne les emporte. A ses créatures, Ilka Schönbein prête sa voix, ses mains et ses jambes, son corps tout entier. Avec une énergie pétillante et contagieuse, elle offre une histoire sur la vie et la mort, les rapports des bêtes et des humains, sur l'exploitation, sur l'amour surtout. Car « dans la musique, comme dans l’amour, ce qui compte, c’est d’être ensemble ».

Voyage chimère

Mélissa Laveaux revient au THV avec son folk habité, son blues métissé et son groove envoutant.

Dans Mama Forgot Her Name Was Miracle, elle explore la dimension thérapeutique et spirituelle de la musique en revisitant comme elle le dit, « des chants de liberté, des prières, des sortilèges, des baumes de protection pour vos voyages douloureux ». Chaque titre est inspiré des histoires de figures héroïques féminines tantôt réels tantôt mythiques souvent méconnues ou oubliées. De Ching Shih, prostituée devenue une grande pirate chinoise, à la chanteuse Jackie Shane, une des premières icônes transgenres dans les années 1960 aux États-Unis, en passant par Harriet Tubman, l’ancienne esclave afro-américaine devenue militante ou encore la militante féministe et poétesse gay Audre Lorde, cet album est un véritable hommage engagé. 

Mélissa Laveaux

Gaëlle Bourges déplace les regards posés sur l’histoire de l’art – en rendant leur place aux femmes qui l’ont façonnée.

Une femme dévêtue et blanche, allongée sur son lit. Une autre debout, noire, apportant un bouquet de fleurs. Édouard Manet peint son Olympia en 1863. Qui en étaient les deux modèles féminins ? Dans (La bande à) LAURA, Gaëlle Bourges relit le tableau, surtout analysé sous l’angle de la nudité de son héroïne blanche, et redonne sa place à Laure. La chorégraphe arpente depuis longtemps l’imaginaire artistique qui nourrit nos représentations. Elle invite ici à une réflexion sur la place des modèles dits « noirs » dans l’art occidental, ainsi que sur celle des femmes artistes. Sur scène, sans donner à voir le tableau, la chorégraphe et les quatre performeuses recréent Olympia, et d’autres tableaux, contemporains et critiques, qui lui répondent. Elles s’attellent à le décliner et à rendre visible son épaisseur historique, sociale et symbolique. 

(La bande à) LAURA

Ne sommes-nous pas tous différents et tous semblables ?

Chacun devait inventer un superhéros alors moi, j’ai choisi Normalito, le super héros qui rend tout le monde normaux. Lucas

Lucas a 10 ans. C’est un garçon normal, vraiment normal. Ni beau ni moche, pas de « dys » en vue et un QI dans la moyenne. Il vit avec ses parents qui ne sont même pas séparés. À force de n’avoir rien d’extraordinaire, Lucas se sent carrément trop normal, voire normal nul. Il va alors croiser Iris, l’enfant zèbre, petite précoce qui aimerait tellement se fondre dans la masse. Il y a aussi Lina, la dame-pipi, qui a l’air elle aussi super-normale, sauf que. C’est plus compliqué que ça.

A travers cette fable sur la normalité et la différence, sur les peurs que nous inspirent ceux que nous ne pensons pas comprendre et qui sont pourtant comme nous, Pauline Sales questionne avec sensibilité notre tolérance et notre empathie. 

Normalito

La compagnie Art Zygote propose une relecture de " Pinocchio " entre marionnettes, danse-krump et théâtre.

Façonné dès la naissance par son père pour devenir un pantin de foire et par sa fée pour devenir un bon petit garçon, Pinocchio cherche à devenir lui-même et à apprivoiser sa soif de liberté. 

Par le prisme de l’enfant, Valérie Berthelot raconte le long voyage initiatique d'une marionnette qui n'en est pas une, cheminant parmi des créatures mi hommes mi-bêtes, dans des paysages qui n'en finissent pas de prendre l'eau et qui l'amènent jusqu'à la mer dans les entrailles d'un monstre marin. Une incitation à l’émancipation, à la prise de conscience d'un petit humain ayant appris à faire la différence entre la vie et la mort, le réel et l'imaginaire. 

Voisinages est un dispositif soutenu par la Région des Pays de la Loire pour encourager la diffusion des équipes artistiques. Pinocchio, deviens ce que tu es est en tournée dans les Pays de la Loire. Tout le programme sur www.culture.paysdelaloire.fr

Pinocchio, deviens ce que tu es

Ce spectacle en théâtre d’ombres, qui flirte avec un cinéma d’animation fabriqué en temps réel, aborde avec loufoquerie le thème du mystérieux « âge de raison ».

Aucun doute, l’exquise Loïse, petite tornade de 7 ans, a le génie de la sottise. Quand fera-t-elle preuve de raison ?! se lamentent ses parents. La raison, encore un truc de porte-lorgnon, ronchonne-t-elle grognon. Pas de discussion ! Dimanche, il faut que l’impossible enfant soit raisonnable, polie et présentable : la soirée s’annonce très… royale. On emmène la fillette chez le Dr. Spongiak. Inventeur d’une méthode « moderne et sans douleur », il met au pas les pires galopins et rend le sourire aux parents. C’est en tout cas ce que chante la réclame... Dans l’univers suranné et délicieusement décalé des Années folles, au son du fox trot, de la biguine et… de l’électro, ce spectacle évoque, non sans malice, les relations qu’entretiennent parents et enfants et rappelle qu’être raisonnable, c’est autre chose que d’être sage comme une image.

La méthode du Dr. Spongiak

Le saxophoniste, chanteur, auteur-compositeur Thomas de Pourquery est un soleil qui tente sans cesse de décrocher la lune. (...) Si la musique est l'aliment de l'amour pour Shakespeare, c'est l'amour qui semble nourrir les partitions enflammées de Thomas, parsemées d'accroche pointée, de temps d'extase et de silence. 
Catherine Carette, FIP

Entre Thomas de Pourquery et le fantastique Supersonic, la complicité est indéniable. Avec Back to the Moon, ils nous font monter à bord de leur vaisseau spatial pour nous propulser, à travers des espaces musicaux les plus variés, dans un voyage onirique et enchanteur jusqu’à la lune. Mêlant le son d’un saxophone déchainé et d’une batterie bien rythmée à une voix profonde et touchante, ce joyeux et énergique sextet de l’espace explose les limites entre jazz, pop et rock progressif. Laissez-vous embarquer !

Thomas de Pourquery & Supersonic

" Carrément cube " est une conversation joyeuse entre deux danseuses et des cubes de différentes tailles, avec un zeste de magie et beaucoup de fantaisie. Un spectacle pour porter un regard différent sur nos espaces contraints du quotidien, petits et grands, et peut-être les vivre autrement.

D’une boîte à l’autre, d’un volume à l’autre
Dedans, dehors, à travers
Mais autour aussi !

Chaque jour nous entrons, sortons, déplaçons, déployons notre corps dans, hors et à travers des volumes parallélépipédiques : le lit, la chambre, le placard, la cuisine, la maison, l’école, la table… Nous nous adaptons constamment à l’espace qu’ils nous proposent. Et si de ces boîtes nous faisions des cubes pour jouer avec ? Comment notre corps, sinueux et adaptable se jouerait de volumes en apparence droits, rigides et immuables ? Et si les cubes prenaient vie, imbriqués, entrelacés dans nos corps ? Et si le cube n’était pas si carré ? 

Carrément Cube

Entre arts visuels, théâtre, danse, acrobaties, ce spectacle est jubilatoire, léger et poétique... comme l'enfance.

Avec les dessins du célèbre dessinateur Jean-Jacques Sempé en toile de fond, cette pièce, sans parole, nous fait revivre l'insouciance de l'enfance avec toutes ses peurs, ses joies, ses doutes, ses jeux... et surtout ses premiers émois. Sur scène quatre circassien.nes - comédien.nes - danseur·ses s'amusent à retrouver un regard tendre et sans retenue sur ce qui les entoure. Ils virevoltent, ils dansent, ils sautent, ils rient pour créer un monde bien à eux : celui de l'enfance... 

ENFANCE

Elise Lerat propose une pièce qui mêle humour, tragique et éclat, et qui dévoile les jeux de puissance, de prise de pouvoir, d’émulation, d’unisson, de libération.

À quelle distance dois-je me tenir des autres pour construire avec eux une sociabilité sans aliénation ?
Roland Barthes

Ici, danseurs et danseuses tentent d’harmoniser leurs rythmes, intimes et personnels, à celui du groupe, confrontant leurs corps et mouvements au sein du collectif. Comment garder son propre rythme, tout en faisant partie d'un tout ? Comment se laisser envahir par les mouvements des autres sans s’y perdre ? Comment vivre ensemble ? Elise Lerat imagine un timing heureux où s’harmonisent le rythme de l’individu et celui de la communauté. Elle crée, à partir des danses de chacun et chacune, un flux de mouvements qui ne s'achève que pour renaître dans de nouveaux gestes, jusqu'à l’ivresse. 

Voisinages est un dispositif soutenu par la Région des Pays de la Loire pour encourager la diffusion des équipes artistiques. Feux est en tournée dans les Pays de la Loire. Tout le programme sur www.culture.paysdelaloire.fr

Feux

Entre introspection personnelle et brutalité des rapports sociaux, Enora Boëlle cherche les traces de son adolescence et montre ce qu’il en reste dans un corps d’adulte.

J’ai eu le sentiment de ne pas être au bon endroit, au bon moment. Je me disais qu’il fallait être patiente et attendre des jours meilleurs. Enora Boëlle

Enora Boëlle parcourt ses souvenirs d’ado des années 90 au travers des visages qui tapissaient les murs de sa chambre. Pêle-mêle se juxtaposent les références culturelles avec lesquelles elle a grandi : le capitaine du club de football et le modèle inatteignable de la pom-pom girl, le premier concert de NTM, le port de la chemise à carreaux… A l’aube de la vie d’adulte cohabitent les rêves et les idéaux. Enora Boëlle se remémore avec autodérision et tendresse cette période charnière où l’on s’affirme sous le regard des autres. Simple et sensible, sa démarche se prolonge et creuse la question de la construction de l’identité. 

j’ai écrit une chanson pour MacGyver

En partenariat avec Le Quai CDN - Angers

Maison de retraite, hospice, Ehpad (en France), Home (en Belgique)... sont autant d’expressions qui désignent ces établissements à la temporalité et à l’atmosphère si particulière.

Une table, trois chaises, une radio, un fauteuil, un piano. Une salle commune : un espace pour être ensemble, un espace où l’on est seul. Un lieu aseptisé et calme, où l’on écoute le temps passer, où l’on attend. Parfois, une voix vient casser le silence : une chanson fredonnée, un souvenir raconté.

À partir d’une recherche documentaire menée au sein d’une maison de retraite médicalisée bruxelloise, trois jeunes comédien.ne.s prêtent leurs corps aux voix des anciens avec justesse et pertinence. Dans ce monde en vase clos, où le temps ne semble avoir de prise que sur les corps, les mouvements et les latences, les souvenirs et les espérances transforment la maison de retraite en un espace de vies et de fantasmes.

Home – morceaux de nature en ruine

"Ce qui m’est dû" prend part à la lutte, mais n’en reste pas moins un spectacle d’une poésie merveilleusement simple.

On a une fenêtre d'opportunité très courte, il ne faut pas la laisser passer.
Rapport du GIEC sur l’urgence Climatique

Par un subtil dialogue entre danse et théâtre, Ce qui m’est dû part de l’intime pour toucher à l’universel. À la manière d’une conférence gesticulée, Héloise Desfarges et Antoine Raimondi nous racontent l’histoire de leur propre prise de conscience face à la crise écologique. Intelligents et créatifs, ils pointent nos petites lâchetés, évoquent nos fragiles mais nécessaires résistances.
Sur scène, textes et corps se rencontrent, se complètent et questionnent le politique et la Politique. Les mots et les maux s’incarnent. Une créativité lucide qui interroge sans culpabiliser, une invitation à une prise de conscience et à une action collective. Un spectacle qui touche les jeunes et les moins jeunes, les militants et les profanes. Une parenthèse chorégraphique et théâtrale qui donne du baume au cœur.

Ce qui m’est dû

Le Théâtre Irruptionnel, fait résonner l’Histoire et les mythes avec le récit d’un jeune homme de vingt ans en 1943 qui fait des études de droit, aime pour la première fois et se passionne pour les romans d’aventure.

"Une guerre, ce sont des pères qui se mettent d’accord pour sacrifier leurs fils". Hérodote

Un jeune homme qui est brusquement arraché à son quotidien et réquisitionné pour le Service du Travail Obligatoire (S.T.O) en Allemagne. Un jeune homme qui comprend que son père l’a sacrifié. À l’image d’un fantôme qui reviendrait hanter la scène du drame, il nous raconte les événements qui ont précédé et suivi son séjour en Allemagne. A table, chez nous, on ne parlait pas, n’est pas un spectacle historique sur le Service du Travail Obligatoire mais le récit d’une interrogation de l’obéissance sans faille à un système patriarcal et à la loi.

A table, chez nous, on ne parlait pas

À la croisée du cirque chorégraphique et du théâtre gestuel, " 080 " raconte avec humour et tendresse l’histoire de Meurlze.

Dans un jeu d’apparition et de disparition, ce drôle d’humanoïde s’amuse de sa propre interaction avec les éléments. Il laisse son corps courir, sauter, virevolter… dans un espace qui trouble sans cesse nos repères. Chacune de ses nouvelles expériences le laisse hésitant. Il tâtonne et explore son environnement, comme surpris et ravi, effrayé parfois de ses aventures. Sur un sol mouvant, sa vie n’est que rebondissements, au propre comme au figuré. 080 est un spectacle émouvant, comme une sorte d’hallucination.